Les meilleurs albums de 2023 (jusqu'à présent)

Accueil » Listes » Best of So Far » Les meilleurs albums de 2023 (jusqu'à présent)

D'une certaine manière, nous sommes déjà en juin, et dans notre monde, cela signifie que la saison des festivals est lancée. C'est aussi un bon moment pour faire le point sur toute la musique que nous avons aimée (jusqu'à présent) en 2023. Pour les besoins de cette liste, nous ne comptons que les projets sortis entre le 1er janvier et le 1er juin 2023, ce qui signifie qu'un certain nombre de grands albums du 2 juin n'ont pas été retenus. Voici, par ordre alphabétique, nos choix pour les meilleurs albums de 2023 (jusqu'à présent).

Les deux premiers albums d'Altın Gün ont rayonné l'éclat de son spectacle live espacé, avec le sextuor réanimant des chansons turques traditionnelles via des grooves funk lourds de conga et des guitares psychédéliques. Pendant l'isolement pandémique, il a trouvé une nouvelle voie, intégrant des ordinateurs et des boîtes à rythmes pour Yol et Âlem de 2021. Mais il était difficile de ne pas rater la sensation vintage et sur le sol - une préoccupation rectifiée sur le cinquième LP de la formation hollandaise / turque, Aşk, qui saupoudre de nouveaux sons passionnants (le scintillement ambiant de pédale d'acier de "Güzelliğin on Para Etmez", l'intro de type stoner-metal de "Rakıya Su Katamam"). —Ryan Reed

Katherine Paul, qui joue le rôle de Black Belt Eagle Scout, consolide sa place en tant que l'une des jeunes voix indépendantes les plus excitantes de The Land, The Water, The Sky. Elle rend hommage à ses racines swinomistes avec un portrait époustouflant de son ascendance autochtone, capturant à la fois le traumatisme et la beauté de sa patrie canadienne et de la rivière Skagit à proximité. Des guitares luxuriantes, des cordes et un mellotron évoquent la sérénité et la tension qui s'affrontent sur des chansons telles que "On the River" et "Sedna", tandis que le lien avec la maison est renforcé par la présence des voix de ses parents sur l'avant-dernière piste "Spaces", avec le chant retentissant de son père clôturant la chanson. — Tatiana Tenreyro

L'auteur-compositeur-interprète Brian Dunne perpétue la grande tradition américaine d'écrire une lettre d'amour à New York après qu'elle l'ait anéanti mentalement pendant une décennie. Loser on the Ropes est plein de crises de personnalité, d'épiphanies de métro et de mélodies superposées aussi irrésistibles que l'odeur d'un bacon, d'un œuf et d'un fromage qui s'échappent de la bodega à 3 heures du matin. L'album glisse sur un son enveloppant et plein de frissons à la War on Drugs et au National, sauf qu'aucun de ces groupes n'a jamais admis avoir une "ère Schopenhauer" (piste sept : "The Optimist"). Les chansons de Dunne parlent presque toujours de personnes cachant leur douleur, se retenant et/ou souffrant en silence. "Qu'est-ce que tu vas faire, t'asseoir et mourir ?" demande-t-il sur "Rockaway". "Ou prends-toi un bagel et dis d'accord ?" Comme tous les New-Yorkais le savent, il n'y a rien qu'un glucide ne puisse résoudre. —Sarah Grant

Dans la mythologie française du XIVe siècle, Mélusine était mi-femme mi-serpent qui a été trahie par son amant, transformée en dragon et s'est envolée. Mélusine est mi-chanson française mi-chanson savante idiosyncrasique, qui dans son parcours révèle sa propre majesté envolée. Avec trois Grammys et un MacArthur "Genius" Award à son nom, Salvant a déjà largement transcendé son statut d'interprète de jazz la plus imaginative et la plus passionnante de sa génération. Pour dépeindre ce conte fantastique, elle va plus loin, allant des ballades de troubadours du XIIe siècle à une chanson de l'obscure comédie musicale rock canadienne des années 70 Starmania (et quelques originaux), chantée principalement en français, en créole haïtien et même en langue occitane ancienne. La musique de Salvant n'est pas seulement une question de juxtaposition, c'est une question de synthèse et de transformation, tout comme Mélusine. —Steve Hochman

La musique country et l'EDM font d'étranges compagnons de lit, et les fusions des deux ont tendance à être des affrontements culturels campy comme le projet parallèle "folktronica" de Zac Brown, Sir Rosevelt. Heureusement, le trio de Los Angeles Cheat Codes a trouvé un compromis improbable entre la ballade pop-country et l'euphorie du dancefloor. Une nuit à Nashville est un étrange disque de melting pot où Russell Dickerson nomme Third Eye Blind sur un groove trop house sur "I Remember", et de gros rythmes et des banjos partagent l'espace avec Dolly Parton sur "Bets on Us". Les mélodies collantes et les paroles amoureuses, cependant, sont ce qui lie vraiment toutes les guitares en acier et les synthés rave ensemble. —Al Shipley

Won't He Do It poursuit la tradition Griselda Records du rap de rue classique des années 90 à New York à la Jadakiss, Biggie ou Raekwon, bouilli à son essence et servi aussi froid que les rappeurs de forage sont bruyants. Le tunesmith interne Daringer porte le LP avec des rythmes qui semblent à moitié finis mais ne se sentent jamais comme ça, beaucoup sans batterie du tout. C'est une approche de scène ouverte parfaite pour les bars dignes d'un cadre de Conway et les raps de rêve lucides de son frère Westside Gunn (voir le sauvage "Brucifix"). Lorsque les percussions apparaissent, elles sont souvent du genre merveilleusement anormal et maladroit ("Stab Out" et "Brick Fare"), susceptibles de provoquer des hochements de tête involontaires et des visages méchants. Rempli de nouvelles façons de décrire la cocaïne, les armes lourdes et la richesse, Won't He Do It, malgré son sujet limité, reste intrigant et intelligent tout au long. —Jonathan Rowe

Il y a un courant sombre sous-jacent à la vie contemporaine - un sentiment de désespoir à multiples facettes. Nous sommes tous à la fois plus connectés et cloisonnés que jamais dans un monde qui vacille sur le fil du rasoir, et le bilan humain peut être humiliant. Jackson Abdul-Salaam de Portland, Oregon, enregistrant sous le nom de Commuter, en a fait son grand thème. No Longer Penitent est un patchwork d'enregistrements de terrain et de salves de bruit brut qui relèvent moins de la narration que de mauvaises vibrations. Vous entendrez des voix claquer sur les bords de, disons, "Deux matelas traînés sous l'autoroute. Émotionnellement comateux", mais ce n'est pas le chalut dystopique (plus littéralisé) de Collected Voice, Text and Tape Works de Josh Peterson. Au contraire, la musique d'Abdul-Salaam ressemble à une boucle insondable de bande de Möbius de bris de verre, de métal brûlant et de fréquences de pointes d'oreille - un miroir psychique tendu à une mauvaise journée sociétale qui ne devrait pas se terminer de si tôt. —Raymond Cummings

Vous ne pouvez pas attendre le suivi de Rosalia à Motomami? Pouvons-nous suggérer Demira, une étudiante néerlandaise diplômée le jour, productrice-poète-guitariste la nuit, qui a fusionné ces mondes en une merveille de début. Iggy est un mythe de la création qui se déroule comme un kaléidoscope pointé vers son cœur agité. Demira a une capacité séduisante à combiner les références les plus improbables - les instruments indiens classiques ("Dismas"), la naissance de Vénus ("Cheap Date"), les synthés Depeche Mode ("Two Halfs of a Whole") et Diet Coke pour le petit déjeuner ("Salai") - en des trésors enivrants qui pourraient également illuminer une piste de danse à Ibiza. La vedette est "Metropolis", une invocation à couper le souffle de l'angoisse qui demande : "Nos vies n'ont-elles pas été organisées autour d'un désir masculin décevant ?" Sauf qu'elle ne demande pas vraiment. — SG

Un autre mélange éblouissant de jazz, de hip-hop et de R&B des titans du genre Terrace Martin, Kamasi Washington et Robert Glasper, Enigmatic Society fonctionne aussi bien dans une boîte de nuit à deux verres minimum que dans une tente Coachella. "Insane" avec Ant Clemons est une ode enfumée de couleur saxo à l'amour si bon qu'il est mauvais pour vous, tandis que le chanteur Arin Ray brille sur des jams de style Soulquarian tels que "Breathe" et "For Granted". La maîtrise collective du groove et de l'atmosphère de Dinner Party s'entend mieux dans "The Lower East Side", alors que le saxophone de Washington danse autour d'une ligne de basse synthé non loin du territoire des flics de Beverly Hills. —Jonathan Cohen

Avec toute la nostalgie alimentée par When We Were Young Fest pour l'emo du milieu des années 2000 dans l'air, il n'est pas surprenant que des survivants astucieux comme Fall Out Boy se tournent vers leur passé en 2023. Au lieu d'imiter son apogée, le huitième album du groupe reprend là où le brillant flop Folie a Deux de 2008 s'est arrêté, avec une série d'hymnes rock explosifs, parfois funky. Qu'il s'agisse d'évoquer Cure des années 80 avec le riff de pédale de chorus sur "Fake Out" ou d'enrôler le London Metropolitan Orchestra pour fournir des cordes disco sur "What a Time To Be Alive", So Much (for) Stardust fléchit les goûts divers de Fall Out Boy sans l'éclat EDM de ses albums inégaux des années 2010. - COMME

C'est toujours rafraîchissant quand un grand artiste nous surprend. Leslie Feist, toujours sans compromis, nous emmène dans son épopée Odyssey in Multitudes, comme elle seule sait le faire. Écrit à une époque de grands changements dans sa propre vie, l'album reflète une mer orageuse d'émotions alors qu'elle navigue parmi les plus grands cadeaux et déchirements de l'humanité : la vie et la mort. Feist nous a toujours raconté des histoires musicales importantes, même lorsqu'elles sont étonnamment silencieuses. Cette fois, et on ne saura jamais comment, son inspiration personnelle est toujours aussi universelle. —Liza Lentini

Célébration à grande échelle de l'amour queer, Radical Romantics va du frisson de la soif de toucher sensuel à la recherche de vengeance sur un tyran. Karin Dreijer nous transporte dans une boîte de nuit délicieusement miteuse, où même les clients les plus timides transpirent avec de magnifiques inconnus au milieu des rythmes palpitants de chansons telles que "Shiver" et "Kandy". C'est plus louche que l'ère Deep Cuts de l'autre groupe bien-aimé de Dreijer, The Knife, tout en se sentant plus doux, avec beaucoup de cœur battant sous le désir. Avec autant de discours entourant le renouveau indie sleaze, c'est peut-être la sortie qui correspond le mieux à la résurgence du mouvement, montrant que la nouvelle itération peut avoir de la substance tout en étant amusante et lascive. – TT

GloRilla était la recrue du rap sudiste de 2022, prenant d'assaut l'industrie avec quatre autres rappeurs affamés de Memphis connus collectivement sous le nom de Glitter Gang. Le quatuor a décroché un succès radiophonique avec le chant de pom-pom girl "Shabooya", et Gloss Up s'est rapidement imposée comme une star solo potentielle sur son premier projet pour Quality Control. Avant que Gloss Up ne mette à jour la vieille école Memphis crunk avec des rythmes percutants de Twysted Genius et Hitkidd, mais le discours de merde allègre de Gloss Up est l'attraction principale : "J'ai envoyé des pièces jointes, mais non, je ne peux pas m'attacher/Mon argent est inégalé, j'ai mon entraîneur sur mix-matched/J'ai fléchi sur ces houes, où diable mon pack de six ?" - COMME

Ce prolifique trio piano/basse/batterie britannique a toujours été enraciné dans un son jazz aventureux, mais l'arrivée du nouveau stickman Jon Scott a propulsé sa dernière musique vers des endroits différents et passionnants. À la fois tendues et méditatives, des chansons telles que "Friday Night Film Special" et "Glow" sont nées de longs jams et rappellent le côté plus cinématographique de DJ Shadow de l'ère Endtroducing. Ailleurs, des synthés subtils ajoutent de la chaleur aux mélodies pointillistes de "Glimmerings" et "Saturnine", tandis que la chanson titre et "Parasite" offrent des délices polyrythmiques et hochant la tête. Au-delà de la musique elle-même, tout groupe ayant les couilles pour transporter un piano à queue dans des clubs de rock tous les soirs en 2023 mérite sûrement votre temps et votre attention. — JC

Ce premier album de ce polymathe norvégien né à Londres est un mélange légèrement théâtral de solennel et de béatifique. Un tourbillon d'instruments non conventionnels, d'enregistrements sur le terrain, de montages sur bande et de monologues abstraits de Pope, It Goes Without Saying porte une énergie extérieure singulière, et le jouer peut donner l'impression de faire surface sans le savoir dans un remix des rêveries bénignes d'un étranger. "Shot Film" assemble des coupes et des sauts, comme si une aiguille sautillait sur un LP vierge et en direct. Sur "Dipping the Bells", la carillonneur invitée Laura Marie Rueslåtten accompagne des échantillons d'eau tumultueuse et de chants d'oiseaux. "Les marges sont petites lorsque le lit sèche le plus humide", énigmes Pope sur la chanson titre, alors que les surfaces en verre chantent, les effets se bagarrent et les piscines de sables mouvants attendent des occasions d'aspirer sa voix comme des aspirateurs. —RC

Harrisonburg, Va. duo Illiterate Light's Sunburned est enveloppé de distorsion, avec la voix du leader Jeff Gorman souvent baignée de réverbération, et ses guitares et lignes de basse recouvertes de fuzz. Le deuxième album du groupe influencé par Neil Young a l'ambiance sombre et désolée de l'ère "Ditch Trilogy" de Young, parfois égayée par les accords carillonnants de "Light Me Up" ou les paroles sèchement drôles de "Fuck LA". Cependant, le batteur Jake Cochran donne vraiment vie aux chansons les plus tristes de Gorman, martelant son kit avec des grooves à la Bonham qui dansent autour du bonbon à l'oreille psychédélique, et construisant "Heaven Bends" de la synthé pop syncopée à un point culminant cathartique qui ressemble à un bad trip. - COMME

Progéniture alternative du milieu des années 90 du moule Big Star et Hüsker Dü, le leader de Superdrag et Lees of Memory John Davis a survécu au MTV Buzz Bin pour devenir l'un des auteurs-compositeurs les plus forts et les plus cohérents de la power pop. Bien qu'évidemment éclairé par l'évangile, Mon espoir est trouvé… reste consciencieusement doux avec son message et accessible à tous. Jouant de tous les instruments directement sur bande dans une approche de production entièrement analogique, Davis explore des styles allant du R&B de Detroit des années 60 ("I Should've Known") aux Beach Boys des années 70, en passant par le solo de McCartney, le jazz d'Elliott Smith ("Sunny Climes") et même le shoegaze sacré ("You Never Let Me Go"). De peur que les gens n'oublient que Jésus était un rebut de la société qui évitait l'église de l'homme, Davis décrit l'album comme une expression du "véritable évangile… pas l'évangile des armes à feu, de la haine des migrants et de la communauté LGBTQ+". —JR

À la première écoute, l'album collaboratif tant attendu du producteur Kaytranada et du rappeur Aminé est quelque peu éclipsé par des invités de marque tels que Freddie Gibbs, Snoop Dogg et Pharrell Williams, dont le crochet de refrain sur le "4EVA" ajoute un peu de douceur à des paroles autrement discutables ("I'm starin' at your eyes but you starin' at my lips / You talkin' 'bout your momma but you thinkin' 'bout my dick"). Heureusement, les productions riches en échantillons de Kaytranada, qui plongent dans tout, de la tropicalia et de l'obscur groupe de jazz britannique des années 70 Both Hands Free à la bande-son de Love Jones de 1997 dominée par le R&B, élèvent le matériel en territoire idéal pour les barbecues d'été. — JC

La grande prêtresse de Pop de la benzodiazépine noire distribue des doses puissantes sur son neuvième album. De ses 16 chansons, la piste "A&W", alias American Whore, est la plus psychoactive dans sa transformation habile d'une ballade acoustique luxuriante à un trap hop sordide. C'est un déplacement accompli et sensuel, mais, comme le récit lui-même (qui traque l'abandon engourdi de l'usagé), la joliesse de la mélodie et de ses mouvements est indissociable de son nihilisme. Même les morceaux aux tons plus clairs tels que l'ouverture "The Grants" (le prénom de Del Rey est Elizabeth Grant) sont des exercices discrets de subversion, et les premières allusions à la salubrité via la jeunesse, la famille et même John Denver se transforment bientôt doucement en futilité souriante. — Matt Thompson

Le meilleur nouveau groupe de métal suédois vient de… Minneapolis ? Avec une discipline moderne, le premier album de Majesties vénère le son death metal mélodique de Göteborg des années 1990, où la dureté amère et privée de soleil rencontre les mélodies d'Iron Maiden. Le groupe embrasse les rebondissements trouvés au début de At the Gates et In Flames, mais est remarquablement pertinent sans succomber à la commercialisation fade qui a tourmenté Göteborg plus tard. Considérant que de nombreux "nouveaux" groupes de la vieille école essaient d'être aussi stupides que Mortician et échouent, il est bienvenu de voir le songcraft, la mélodie et l'émotion régner en maître sur un album de death metal tel que Vast Reached Unclaimed. — Andy O'Connor

Du trio de jazz révolutionnaire BADBADNOTGOOD, qu'il a cofondé, à Kendrick Lamar et Rosalia, pour qui il a écrit des chansons, Matthew Tavares a apposé son empreinte créative unique sur un éventail vertigineux de musique au cours de la dernière décennie. Cependant, l'essence de Tavares l'être humain n'a jamais été aussi merveilleusement apparente que sur cette dernière sortie solo sous le surnom de Matty (il a écrit, produit, interprété, mixé, conçu et maîtrisé le tout). La chanson titre subvertit la mélodie de "What Is Life" de George Harrison en un jam de feu de camp imprégné de bongo, tandis que "Eu Pergunto Isso a Vocé" et "Ao Luar" semblent décalés dans le temps à partir d'un disque de guitare acoustique de Windham Hill vers 1982, et "Meu Coracao No Seu" commence dans le territoire de la chambre lo-fi avant de se transformer en 45 secondes de reggaeton d'univers alternatifs. ¡Dios mio ! — JC

Personne n'aurait pu reprocher à Nickel Creek d'avoir joué sa dernière réunion un peu en toute sécurité en ressuscitant son prog-grass préféré des fans en tournée, en créant un LP au son familier lorsque les horaires le permettaient, puis en se précipitant vers les carrières respectives de ses membres. Au lieu de cela, le trio a écrit et enregistré un cinquième album vertigineusement ambitieux, Celebrants, qui dépasse tous les travaux précédents, y compris son prédécesseur de 2014 A Dotted Line. Tout est là : une interaction instrumentale époustouflante entre mandoline, guitare et violon ("Going Out"), des harmonies parfaites ("The Meadow") et des refrains striés de larmes pour des promenades en voiture introspectives ("Stone's Throw"). A dans neuf ans. — RR

La cohérence étonnante d'Obituary dément la croissance continue des légendes du death metal de Tampa, en Floride, qui ne sont pas seulement l'un des groupes live les plus serrés du métal, mais qui sont également restés fidèles à eux-mêmes sans devenir obsolètes. Plus d'une décennie après son arrivée, le guitariste Kenny Andrews reste un fleuron pour Trevor Peres et son riff boueux, perçant l'obscurité marécageuse d'Obituary avec des pistes électrisantes. Peres ne côtoie pas non plus la vieille gloire et la marchandise en lambeaux de Blue Grape : il est plus profondément dans les grooves que jamais et savoure leur pouvoir enivrant. Le chanteur John Tardy, heureusement, sonne toujours comme John Tardy. — AOC

Le métal industriel en boucle de Primitive Knot a mis l'accent sur la seconde moitié de cette fusion ces derniers temps (l'année dernière, Ur Metal était pratiquement le meilleur album de Ministry depuis des décennies). Avec Undying Lands, la tenue basée à Manchester, au Royaume-Uni, est allée encore plus loin avec une brutalité mécanique brûlante, ajoutant une bonne dose de riffage Celtic Frost à mi-rythme. Réduire la vélocité fonctionne sur des morceaux comme "Into The Mouth of Madness" et le "OUGH!" digne de "Hour of the Wolf", avec des percussions insensibles et claquantes fortifiant le bruit sourd des guitares. À ce rythme, Primitive Knot ramènera la performance devant les clôtures grillagées. — AOC

Le synthé de donjon, comme le black metal dont il est issu, évite généralement la fidélité. L'Australien Quest Master précipite le genre vers la lumière du soleil avec Sword & Circuitry, révélant de nouvelles dimensions dans un son clos. En mettant l'accent sur les percussions, Quest Master fait un énorme bond en avant, transformant les mélodies sereines du clavier en justes croisades. "Cerulean Depths" passe d'une séance glaciale à un appel d'aventurier lorsque la batterie entre en action, et les rythmes propulsifs de "Hanging Garden of Chrome" pourraient s'intégrer à côté de n'importe quel morceau de Skinny Puppy sur la piste de danse d'un club gothique. Sword & Circuitry n'est pas lié par la nostalgie d'une époque médiévale inventée - c'est son propre monde fantastique. — AOC

Le compositeur japonais en a enregistré 12 tardivement alors que la mortalité se rapprochait vers la fin d'une danse de près d'une décennie avec le cancer. Sorti en janvier, deux mois avant sa mort, 12 n'est pas une heure morbide. Il marche plutôt le long de sentiers auditifs de grâce et de crainte. Certaines pistes, cue "20211201", sont plus légères et plus aérées que d'autres, mais des pièces encore plus complètes et plus luxuriantes telles que "20220214" font allusion à une tombe vide plutôt qu'à une terre tassée et à la décomposition. — MT

Brouillant perpétuellement la frontière entre les histoires réelles de trafic de drogue et de se faire tirer dessus en grandissant à Rochester, NY, et une riche concoction de contes pour le plaisir de raconter des histoires, Rx Papi peut tout simplement être un peu trop pour de nombreux auditeurs. Dépassez les armes à feu sur Instagram Live, cependant, et vous trouverez un rappeur extraordinairement talentueux qui essaie de traverser la vie un jour à la fois, que ce soit en se comparant favorablement à Ray Charles ("Smacc Man"), en battant la concurrence avec l'aide de son collaborateur de longue date RXK Nephew ("Chinese Restaurant"), ou en inventant un alter-ego absurde et vendeur d'herbe qui boit du Coca fontaine sur glace - et ne donne certainement pas d'échantillons gratuits ("Zaza Man"). — JC

Il est facile de dire quand un artiste fait le saut de "talentueux et pourrait le faire" à "enfin arrivé", et c'est ce que Ruston Kelly a fait sur La faiblesse. Après un début difficile de la décennie qui l'a vu quitter à la fois son mariage et Nashville, le chanteur / compositeur s'est penché et s'est mis à travailler sur la musique – et sur lui-même. "Let Only Love Remain" revient sans récrimination sur son divorce avec Kacey Musgraves, tandis que le doux confessionnal "The Mending Song" trouve Kelly enfin en paix avec lui-même tout en faisant face à la douleur qui a englobé la majeure partie de sa vie d'adulte. Tout n'est pas sérieux, car "Michael Keaton" met en valeur le côté humoristique d'un artiste talentueux qui obtient à juste titre son dû. — NSP

Les membres du quintette crossover de Houston Skourge ont des engagements extérieurs assez importants – le guitariste Jacob Duarte et le batteur Carson Wilcox jouent dans les revivalistes de rock alternatif Narrow Head, et le chanteur Seth Gilmore chante également dans Fugitive. Pourtant, le groupe a quand même réussi à abandonner un événement au niveau de l'extinction avec Torrential Torment. L'intro à la basse coudée de la chanson principale est à elle seule plus dure que 99% du métal cette année, et une fois que le reste du groupe entre en action? Votre visage et le béton sont essentiellement des amis proches à ce stade. L'incontournable live réenregistré "Freedom Denied", dont la version originale remonte à 2016, est carrément dément, avec des guitares tourbillonnant violemment et s'entrecroisant les unes contre les autres. Fondamentalement, si "Rapture" de Morbid Angel était sur Master Killer de Merauder - yeesh! Le Texas avant tout. — AOC

Coups de gueule amers. Beats. Throbs. Remarques sarcastiques. Funk corrodé. Punk-hop. Post-punk. Post-espoir. Contes fracturés. Envie. Blâmer. Détestation de soi. Rage. Musique Munt. Montez le son et dansez comme si vous vous en fichiez, dans une pièce pleine des précieux objets fragiles de quelqu'un d'autre. Breakdance. Danse des rats. Danse Munt. On s'en fout. N'écoutez pas UK Grim si vous n'aimez pas que les Anglais mangey jurent sur la façon dont tout est bip. Personne ici ne veut que vous voyiez la lumière. Mais si vous êtes un peu idiot, alors mettez-le à fond et secouez-vous. — MT

Après être passée du punk acoustique DIY du lycée au musicien ambulant sans abri de la promenade de Venise en passant par la chanteuse / compositrice acclamée aux racines folk / blues, Sunny War lance des flèches empoisonnées sur son nouvel album étonnamment personnel – beaucoup la pointant droit sur elle, certaines ayant déjà trouvé de la chair. En grande partie écrites dans son appartement de Los Angeles avec les lumières éteintes et des bouteilles vides qui l'entourent après une rupture, les chansons sont aux prises avec la dépression, la dépendance et la mort de l'amour, tout en invitant dans leur obscurité. Le ton est donné avec l'ouvreur "Love's Death Bed", sa tristesse flottant sur des cascades de doigtés habiles et d'appels et de réponses inspirés de l'évangile avec un chœur comprenant l'invité Allison Russell. Le mélange d'émotions franches et de tons engageants se poursuit tout au long, des chants de groupe vifs à la contemplation solitaire en sourdine. Il y a aussi du feu : une reprise de "Baby Bitch" de Ween présente un chœur d'enfants (en vérité, trois hommes adultes avec des voix accélérées, à la Chipmunks) chantant "Va te faire foutre, connard puant". —SH

En 20 ans et neuf albums, The Hold Steady est passé du statut de plus grand groupe de bar américain à l'un des plus grands groupes d'Amérique, point final. The Price of Progress pousse sa marque tonitruante de punk, de blues et de rock plus loin que jamais. Cela porte ses fruits avec des boules courbes irrésistibles comme "Understudies", une chanson sur le showbiz avec un groove funky de style "Miss You" par les héros de la guitare Steve Selvidge et Tad Kubler. Tout roule droit dans le ciel sur l'ondulant "Distortions of Faith", à propos d'une pop star qui prend un concert rémunéré dans une dictature et essaie de ne pas trop y penser pendant le vol de retour. En effet, personne n'écrit comme Craig Finn. Les énigmes de la foi et de la fragilité qui imprègnent les premiers albums comme Separation Sunday et Boys and Girls in America se sont métastasées en un malaise d'âge moyen, où le passage du temps plane comme une blague cruelle. Finn fait une fixation sur les personnes engagées dans des "fac-similés de plaisir": la vie conjugale ("Perdido"), les rencontres alimentées par Adderall ("Sixers") et les ligues de softball pour adultes ("Carlos Is Crying"). "Un nouveau médicament pour la même vieille dépression", comme il le dit dans "Sideways Skull". C'est la seule chanson ici où les personnages de Finn trouvent de la joie, ou quelque chose de proche. Comme le déplore le protagoniste du pyro-rocker, "Il est difficile de basculer complètement dans une maison de transition." — SG

Les frères de Long Island, Brian et Michael D'Addario, ont toujours été influencés presque exclusivement par le rock d'avant 1983 et, en grandissant, ils ont apposé leur propre empreinte sur ces inspirations de l'ère du vinyle. Un fil mélancolique parcourt leur quatrième album, et "New to Me" et "Born To Be Lonely" contemplent les écueils de la vieillesse avec empathie et sensibilité. "Any Time of Day" a l'éclat du soft rock d'un classique AM gold perdu, et "Still It's Not Enough" aurait pu être écrit sur un porche de Laurel Canyon en 1971. Everything Harmony est le plus bel album des Lemon Twigs à ce jour, mais il y a aussi un côté Tom Verlaine dans le solo de guitare nerveux à la fin de son rocker le plus fougueux, "What You Were Doing". - COMME

L'un des nombreux moments de bonheur du cinquième album d'UMO est "Meshuggah", une mélodie art-funk slinky partageant beaucoup plus d'ADN avec Steely Dan que le groupe de métal suédois du même nom. C'est comme si le chef d'orchestre Ruban Nielson ne s'était pas réveillé un jour nouvellement obsédé par Gaucho ou quelque chose comme ça – le groove est une ancre dans tout son catalogue, du crunch psychédélique lo-fi du II de 2013 à l'expérimentation jazzy de l'IC-01 Hanoi de 2018. Mais même dans sa version la plus onirique, V est à un autre niveau d'âme, du balancement des palmiers de "That Life" aux ceintures R&B et à la mise en scène des guitar-heros au milieu de l'apogée de "The Garden". — RR

Lorsqu'un groupe de bricolage signe avec un label indépendant de premier plan, les fans s'inquiètent souvent de savoir si le charme scrappy précédent peut toujours être capturé au milieu d'un arrangement commercial musical plus traditionnel. Heureusement, Matador s'est avéré être le bon foyer pour le duo indie pop expérimental Water From Your Eyes, l'un des rares jeunes groupes d'aujourd'hui à être à la hauteur du surnom du genre. Livrées avec impatience, les paroles introspectives de Rachel Brown trouvent de l'humour dans le chaos de la vie, tandis que les sons polyrythmiques du multi-instrumentiste Nate Amos complètent le jeu de mots frénétique de "Barley" et le morceau de clôture sardonique "Buy My Product". Tout le monde est écrasé marque une nouvelle ère passionnante dans les grandes ligues indépendantes pour le duo, montrant sa vaste gamme. — TT

Alors que certains groupes indépendants de country alternative tentent de trouver la gloire en imitant Big Thief, Wednesday a construit son culte en empruntant une voie radicalement différente. Le groupe d'Asheville, en Caroline du Nord, repousse les limites de ce à quoi le pays peut ressembler - le lap steel est utilisé d'une manière très différente de ce à quoi vous vous attendiez, ajoutant à des paysages luxuriants inspirés du shoegaze. Le résultat est à la fois obsédant et séduisant, les paroles correspondant à l'intensité du son enchanteur. La chef d'orchestre Karly Hartzman mythifie sa ville natale tout en vous invitant à être captivé par sa gravité sur des chansons comme "Hot Rotten Grass Smell" et "TV in the Gas Pump", alors que nous passons devant des rues désolées, des enseignes au néon hors service et des panneaux routiers qui tombent. Entre le genre et la narration, il y a de quoi être captivé. C'est aussi un moment rare où un groupe qui n'est pas originaire d'une grande ville montre qu'il peut s'épanouir tout en aimant d'où il vient. — TT

Blâmez-le ou non à la pandémie, mais les choses ont changé dans le monde de Wolf Eyes au cours des dernières années: une résidence à la bibliothèque publique de New York, une programmation continue de deux hommes et une esthétique du monde de l'art d'éditions physiques limitées (parfois sévèrement) se doublant de peintures et d'illustrations effrayées. Ce qui n'a pas changé, c'est l'engagement du duo du Michigan envers un flux constant de terreurs nocturnes moites et serpentines. Un autre étourdissement dans une renaissance forte et subtile de fin de carrière, y compris l'intense Dumpsters & Attitude, Feedback & Drums Vol. 2 est à peu près comme annoncé: cors psychoactifs, gémissements primordiaux, distorsion glissante et chaînes de pédales d'effets piétinées par Sasquatch, si Sasquatch avait un sens exquis du rythme et quelques axes à moudre. —RC

Aucun groupe n'équilibre autant la verve, la locomotion et le chagrin d'amour que Yo La Tengo. Sur son 17e LP, le trio est à son plus clairement indispensable pour la première fois depuis un bon moment, transformant les nerfs effilochés de l'âge moyen en rock'n'roll qui déferle, submerge et sature tranquillement vos synapses. Les fluorescences tumultueuses et grinçantes de "Brain Capers" ressemblent à une boîte à fusibles surchargée, tandis que le sournois "Tonight's Episode" couche le découragement avec des fanfaronnades yo-yo et l'une des meilleures lignes de basse de James McNew. Et si la chanson titre est un hymne conjugal de Shaker aux folies de se détourner du seul monde que nous ayons, le évanoui "Miles Away" trouve la batteuse/chanteuse Georgia Hubley à la barre de ce qui pourrait être le plus proche des heures de grande écoute Enya que ces trois-là atteindront jamais. —RC